Il mangaka Naoto Yamakawa (noto in Italia per il volume “La pioggia all’improvviso”) ha dato alle stampe un’altra autoproduzione. Si Tratta de Il diario del canticchio, un albo di 32 pagine suddiviso in due parti, la prima formata da yonkoma (strisce in 4 vignette verticali) e la seconda da una breve storia. Protagonisti sono il giovane mangaka Mameta e la fidanzata Kinako, che lavora in una caffetteria.Il diario racconta piccoli e rilassanti spaccati della loro vita quotidiana e delle loro passioni: ascoltare vecchi dischi in vinile, bere caffè, leggere libri usati, accarezzare gatti e camminare per stradine cittadine. I due protagonisti amano rifugiarsi nei vecchi café (kissaten), spulciare negozi di dischi usati alla ricerca di rarità in vinile, frequentare mercatini dell’usato o fare lunghe passeggiate. In Europa i diritti del volume sono gestiti da Mangarights.com.

“L’uomo che uccise Lucky Luke” è una cornucopia di citazioni cinematografiche western, a partire dalla copertina. Il titolo, infatti, richiama il film “L’uomo che uccise Liberty Valance”, mentre l’immagine è un omaggio a “Per un pugno di dollari”, con Lucky Luke che vanta una posa e un abbigliamento memori del cowboy senza noma interpretato da Clin Eastwood. All’interno troviamo uno sceriffo incapace, una cittadina terrorizzata, un assalto alla diligenza, una incantevole ballerina e via dicendo. Matthieu Bonhomme, che realizza questo volume in autonomia, mostra un tratto morbido e splendido, che media tra l’umorismo di Morris (creatore del personaggio) e un realismo che a tratti ricorda il Blueberry di Giraud. Particolare la colorazione, che in alcune vignette sfocia nella pop art, con le sue tinte piatte capaci di ricoprire interamente di giallo o arancione, uomini o cavalli continuando a rimanere bella e credibile. Tavole ricche di vignette e vignette ricche di dettagli soggiogano lo sguardo del lettore, specie quando allargano la visuale sulla natura. Menzione di merito per le sequenze, purtroppo poche, sotto la pioggia. Insomma da leggere, visto anche il ridicolo prezzo di copertina: 4,99 euro.

Franco Fortunato Gilberto Augusto Bonvicini, in arte Bonvi, è stato uno dei fumettisti più importanti e originali del nostro Paese. I suoi fumetti sono stati stampati e ristampati più volte, anche in pregevolissime edizioni, per esempio nei recenti volumi di Editoriale Cosmo e Lizard. Ma il volume in grado di fornire un quadro complessivo dell’uomo e della sua opera è datato 1975, si intitola semplicemente “Bonvi” ed è stato pubblicato dalla defunta Corno. Un cartonato di grande formato che ospita una selezione di molte sue storie, strisce e personaggi, dalle Sturmtruppen a Nick Carter, ognuno dei quali introdotto dalla stesso Bonvi. Ho sempre pensato che Bonvi più che un autore fosse un personaggio, un personaggio che si scrive da solo le sue storie, pervaso da una follia creativa che strabordava delle tavole per riversarsi anche nella realtà. D’altra parte, che cosa ci si poteva aspettare da uno che si chiama Franco Fortunato Gilberto Augusto Bonvicini?Da una persona che a un colloquio di lavoro dichiara che la sua principale aspirazione è dedicarsi alle colture idroponiche, nientemeno che su Marte! E che dire di quando, secondo lui, invase la ex Yugoslavia al comando di un carro armato. Storia sentita più volte e sempre differente, presente anche nel volume in questione (con tanto di foto del Bonvi carrista). Bonvi è, senza dichiararlo, al centro della storia “Andiamo all’Havana”, nel quale il biondo e stralunato protagonista dirotta un tram verso Cuba, tra lo sgomento dei passeggeri che, tuttavia, un po’ alla volta cominciano a credere che sia possibile raggiungere l’sola caraibica. Per Bonvi, infatti, nulla era impossibile, e non solo nella finzione fumettistica. Era pazzo? Certamente, ma di quella follia positiva che solo i grandi possiedono e sanno trasformare in arte. Anche se avete letto tutto di Bonvi, questo volume vi piacerà e, probabilmente con una certa sorpresa, scoprirete che le cose più divertenti sono le introduzioni scritte proprio da Bonvi, personaggio prima che autore.

In che posizione scomoda ci mettono i manga, talvolta. Prendiamo Jyoshikohei – Mecha guerriere d’assalto di Jirō Matsumoto, pubblicato da Nippon Shock Edizioni. Siamo di fronte a un piccolo capolavoro da infarcire con strati di sociologia, letteratura distopica e fantascientifica oppure siamo al cospetto di una delle numerose concessioni voyeuristiche, tipiche di certi fumetti giapponesi per adulti? Di sicuro, il suo autore Jirō Matsumoto è una figura eclettica e non immediatamente assimilabile. Classe 1970, debutta nel 1992 mentre ancora studia all’Università d’Arte di Musashino, per poi farsi un nome nel genere “ero-guro” (erotico grottesco) e conquistare il grande pubblico con Freesia (da cui è stato tratto un film nel 2007). Autore tutt’altro che ignoto ai lettori italiani, ha firmato opere come Alice in Hell, Becchin & Mandala e Colpo mortale, pubblicate da Goen e Flashbook. Il suo stile non segue regole certe – spaziando persino fino a manga tratti da romanzi storici – ed è questo suo eclettismo a rendere Jyoshikohei un’opera difficile da catalogare.

Jyoshikohei rappresenta una tentazione ambigua, almeno per una tipologia di pubblico: l’idea che uomini di una certa età possano “indossare” il corpo di una gyaru (le tipiche ragazzine alla moda giapponesi), correndo però il rischio dell’assuefazione o, peggio, della perdita totale della propria identità. E quando parliamo di “indossare”, intendiamo letteralmente: corpi da ragazzine in uniforme da studentesse delle superiori che funzionano come giganteschi mecha da combattimento. Non ci troviamo nel solito futuro post-apocalittico, bensì in una dimensione alternativa colonizzata dagli esseri umani, dove è in corso una sanguinosa guerra di liberazione per l’indipendenza dei coloni. Nel frattempo, l’Esercito Unito Terrestre impiega queste ragazzine-guerriere per arginare la minaccia di piloti impazziti all’interno dei mecha e la vicenda segue uno di questi plotoni composto da criminali ed emarginati.

Con quel suo imprevedibile gradiente che forse sfugge al provincialismo del lettore occidentale – tra bocche spalancate per lo stupore e la sbrigativa tendenza ad appicciare etichette ai manga senza troppo riflettere –, Jyoshikohei stabilizza le necessarie quote di appagamento per un lettore adulto, mobilitando un’iconografia ovviamente gradita al palato degli otaku: studentesse liceali, gyaru, idiosincrasie adolescenziali nelle quali sprofondano le menti dei piloti. Matsumoto agisce da mediatore, inserendo disperazione, stanchezza esistenziale e patetismo. La macellazione dei corpi, dopo proliferazione da brivido del contagio, è soltanto una soddisfazione secondaria dove la contemplazione costringe a soffermarsi sui corpi, o singole parti di essi, compresi sconfinamenti e penetrazioni improprie. In una scala di valori artistici ben più elevata, tale provincialismo viene per fortuna disintegrato a patto di considerare l’opera di Matsumoto una testimone di questi tempi in cui gli individui, gli oggetti, i computer possono essere connessi e poi decostruiti. Un’amalgama in cui la “Digital Nature”, per usare terminologia cara al media artist Yoichi Ochiai, è terreno concettualmente ideale per un manga come questo, una sorta di controparte carnale e distopica, strana e folle. Matsumoto opta per uno stile sporco, rozzo e malato immaginando un altrove che sembra ordinario, una parodia esagerata del genere mecha, ma dietro il quale si agitano riflessioni e un nichilismo insidioso. —Mario A Rumor

Per favore, non chiamatela autobiografia. Dopo un’attesa che è parsa interminabile – segnata nel mezzo da un’edizione in lingua inglese pubblicata da Viz Media nel 2009 – , anche gli appassionati italiani di Hayao Miyazaki possono godersi la lettura di Punto di partenza 1979-1996 (Shuppatsuten 1979-1996) edito da La Nave di Teseo e tradotto dal giapponese da Rosamaria Pavan. Non un racconto intimo della propria vita, bensì un’imponente raccolta di articoli, saggi, interviste e proposte di film che spaziano dal 1979, anno del debutto nella regia cinematografica con Lupin III – Il castello di Cagliostro, fino al 1996, vigilia di Principessa Mononoke e annus mirabilis della sua carriera e soprattutto dello Studio Ghibli con il mondo intero pronto ad accoglierne le opere grazie allo storico accordo stipulato con la Walt Disney Pictures. Chi ha imparato a conoscere l’uomo e l’artista, sa bene quanto Miyazaki tenga alla propria sfera privata e a come il passato, più è lontano, più venga tenuto in disparte. In realtà quel 1979 funge da baricentro programmatico: nel volume Miyazaki si aggira infatti tra ricordi e riflessioni della sua giovinezza di animatore, molto prima dell’era Ghibli, da matricola alla Tōei Dōga e successivamente come animatore agguerrito di Nippon Animation e Telecom Animation Film.

Chi ben conosce Miyasan, sa che è sempre esistita una “periferia” attorno alla sua attività principale, fatta di interventi, conferenze nei circoli di animazione delle università giapponesi, articoli e recensioni scritti per riviste di settore (su tutte la celebre «Film 1/24» realizzata da Anido). Come il maestro e amico Isao Takahata, Miyazaki è uno che ama intrattenere con le parole e con una smisurata cultura. Si va da interventi lunghi una paginetta alle leggendarie 16 pagine pretese sul mensile «Animage» per sviscerare l’opera che cambiò la sua carriera, La grande avventura del piccolo principe Valiant (Taiyō no ōji: Hols no daibōken, 1968), e mai ottenute. Perché, a un certo punto – siamo nei primi anni Ottanta – la sua opinione era ormai diventata un punto di riferimento imprescindibile. Ecco allora che la parola autobiografia diventa in qualche misura accettabile, a patto di considerarla un tutt’uno con l’arte dell’animazione: non una semplice professione, ma un’estensione senza confini che ha influenzato e governato l’intera sua esistenza, concedendosi al pubblico come simulacro vivente della fantasia.

C’è un’idea di purezza nelle pagine che compongono Punto di partenza. Non siamo di fronte a un volume celebrativo pensato per i fan a corto di stimoli, e nemmeno a un saggio accademico. Ci troviamo piuttosto in un tempio della conoscenza, perché Miyazaki non armeggia solo con l’animazione. Occorre liberarsi di ogni pregiudizio sulla soglia di queste 670 pagine e affrontare un viaggio di proporzioni enormi, nel quale il regista si accosta a figure leggendarie e molto amate di quel Paese, come Yoshie Hotta, Ryōtarō Shiba e Osamu Tezuka, consapevole in fondo di parlare a un pubblico non necessariamente di anime fan. Al contempo, è capace di quisquilie magari elogiando la sua adorata Citroën 2CV o perlustrando con le parole i luoghi cari di Tokyo, compresi gli edifici di un tempo, quelli sopravvissuti alla guerra. Anfitrione d’eccezione, Miyazaki spende parole per maestri e collaboratori (la defunta Makiko Futaki), e si rivela altrettanto rigoroso e implacabile nei giudizi come nel mestiere di regista. È un artista che non le manda a dire: severo con sottoposti e concorrenti (di nuovo: Tezuka), riguardoso con i grandi del cinema e della letteratura, ma sempre secondo una prospettiva che parte dal basso e mai dall’alto. Miyazaki non è superbo, né ama i superlativi, il cui utilizzo è scambiato con una discreta dose di sincerità e ironia.

La parte indubbiamente più ambita dai lettori è quella arroccata nei dietro le quinte dei suoi lavori, che partono dal grado zero in forma di progetti, evolvono durante la lavorazione per essere infine rimessi in riga nelle numerose interviste che costellano il volume, e perfino nei giudizi dei collaboratori. Punto di partenza è piuttosto una biografia del fare animazione, privata di retorica e sensazionalismi, e sorretta da una profonda etica del lavoro e delle riflessioni, spesso irriducibili. Come nell’edizione giapponese, qui sono presentate le tavole con illustrazioni e brevi fumetti. Un grande vantaggio rispetto alla versione anglofona è la presenza, a inizio volume, di una lunga conversazione del regista con Tetsuya Chikushi, ex giornalista dell’«Asahi Shinbun», registrata nel 1996 nel corso della trasmissione News 23 sulla rete TBS. Qualche nota finale: la buffa illustrazione di copertina – un accigliato autoritratto di Miyazaki mentre lavora, con accanto un posacenere colmo di sigarette e il bento (il pranzo) – è stata realizzata negli anni Ottanta e poi inserita nel volume Kaze no tani no Naushika – Guide Book (Tokuma Shoten). Mentre i disegni che aprono ogni capitolo sono apparsi sulla rivista di modellismo «Hobby Japan». Prossimo appuntamento, Turning Point 1997-2008, altro splendido viaggio nel mondo del regista giapponese. —Mario A Rumor

BAO annuncia la ristampa del volumone (848 pagine a 29,00 euro) “Una vita tra i margini” di Yoshihiro Tatsumi, in uscita nella seconda metà ottobre.

Gekiga è un termine, coniato da Yoshihiro Tatsumi, traducibile come “immagini drammatiche” e viene utilizzato per indicare i manga diretti a un pubblico adulto, non incentrati su disimpegno e avventura, ma al contrario su tematiche sociali e problematiche quotidiane.

Autore attivo sin dal dopoguerra, Tatsumi non solo è stato uno dei protagonisti del mondo dei manga, ma anche un testimone della storia degli stessi, avendone osservato lo sviluppo e incrociato la propria strada, personale e professionale, con altri mangaka del tempo, in primis Osamu Tezuka quando si stava incamminando sulla strada per diventare il manga no kamisama (“dio dei manga”).

La sua opera in due volumi del 2008 dal titolo “Gekiga Hyouryuu” (“Gekiga alla deriva”) è una sorta di viaggio nel mondo dei manga tra il 1945 e gli anni Sessanta, pubblicato in Italia in un unico volume.

Questo manga ha ovviamente forti connotazioni autobiografiche, dato che il protagonista, il giovane Hiroshi, è un ragazzino che nel Giappone del dopoguerra, tra mille difficoltà economiche, si appassiona ai manga e, oltre a leggerli, si cimenta nel realizzarli raggiungendo in breve tempo interessanti risultati che lo portano a essere pubblicato su varie riviste.

L’autore, quindi, mescola con grande abilità eventi generali con eventi personali, realtà con finzione, fornendo in tal modo una panoramica del Giappone così come una visione di un suo elemento particolare quale il fumetto, oltre a una prospettiva personale legata ai personaggi (e quindi a sé stesso). Diversi sono perciò i piani di lettura che rendono l’opera allo stesso tempo una autobiografia, un racconto di formazione, un romanzo storico e un saggio sul fumetto. Una alchimia di elementi non facile da far coesistere.

Tatsumi punta su un disegno dal “realismo semplificato” e su una impostazione ordinata delle tavole (ben diversa da quella dei movimentati shonen manga) per un risultato da una parte documentaristico e dall’altra personale.
Leggere “Una vita tra i margini” diviene quasi un obbligo per chi voglia conoscere la storia dei manga, o quantomeno del fondamentale trentennio che va dagli anni Quaranta ai Sessanta del secolo scorso. Allo stesso tempo, il manga fornisce un ottimo esempio di come si possa raccontare graficamente l’evoluzione di un Paese, un medium e una persona attraverso le immagini. Senza rinunciare ad alcuni elementi cardine della tradizione fumettistica giapponese – storytelling scorrevole, disegno pulito, utilizzo dei retini – Yoshihiro Tatsumi mostra come questi possano essere utilizzati in modo adulto e documentaristico, senza tuttavia mai annoiare o diventare pesante. Un ottimo esempio di come si può realizzare una storia stando, contemporaneamente, all’interno e all’esterno della stessa.